ANTIGONE
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Lia Beuchat

 

Lia Beuchat 

"Hommage à Dys.."

(en)Lia Beuchat is a professional dancer from Swiss-French nationality who is currently living in Brussels, Belgium. She completed her dance education in Switzerland, Denmark and Germany, but has experience from Belgium, Spain, The Netherlands, Japan and Israel.

The name of the solo is called “Hommage à Dys..”. Dys- is a prefix derived from Greek, which in combination with another word, like dys-functional of dys-lectic, gives it the connotation of imperfect of abnormal. In this solo, Lia concentrates on her own condition, dysorthography, which makes it difficult for her to follow grammatical rules or write words correctly. She tries to translate into movements this barrier with which she is confronted every time she writes.

(fr)Vivant actuellement à Bruxelles en Belgique, Lia Beuchat est une danseuse professionnelle de nationalité franco-suisse. Elle a fait ses études de danse en Suisse, au Danemark et en Allemagne, mais a également acquis de l'expérience en Belgique, en Espagne, aux PaysBas, au Japon et en Israël.

 

Le solo s'appelle "Hommage à Dys...". Dys- est un préfixe dérivé du grec qui, mis en combinaison avec un autre mot comme dans dysfonctionnel ou dys-lexique, lui donne la connotation d'imparfait ou d'anormal. Dans ce solo, Lia se focalise sur sa propre condition, la dysorthographie, qui lui pose des difficultés pour appliquer les règles grammaticales ou écrire les mots correctement. Elle tente de traduire en mouvements cette barrière à laquelle elle est confrontée à chaque fois qu'elle écrit.

 

Bianca Bor 

"Una Figura"

(en)Bianca Bor is a Romanian dancer proficient in ballet, contemporary dance, physical theatre, street dance, break-dance and character dance. She attained her bachelor’s degree at the Caragiale Academy of Theatrical Arts and Cinematography in Bucharest.

 

The solo’s name is “Una Figura”. It is named after the painting ‘Houses and figure’ by Vincent Van Gogh. Bianca was inspired by this painting, because in this figure she saw a universal character. The solo represents a search for a path of simplicity and joy by using the rhythm and movements which she considers closest to her generation.

 

(fr)Originaire de Roumanie, Bianca Bor est une danseuse maîtrisant la danse classique, la danse contemporaine, le théâtre physique, le street dance, le break-dance et la danse de caractère. Elle a obtenu sa licence à l'Académie Caragiale des Arts du Théâtre et de la Cinématographie de Bucarest. 

 

Nommée « Una Figura », cette chorégraphie doit son nom au tableau Houses and figure de Vincent Van Gogh. Bianca s'est inspirée de ce tableau car elle a trouvé dans cette silhouette un caractère universel. A travers son solo, elle est à la recherche d'un modèle de simplicité et de joie en utilisant le rythme et les mouvements qu'elle considère comme étant les plus proches de sa génération.

 

Lara Deruyter

"Durme Kerido"

(en)Lara Deruyter is a 21-year old Belgian contemporary dancer who believes that life is all about connection. How we relate to others and the world around us intrigues and triggers her. She believes dance is a medium that can touch, give different perspectives and make people think and rethink their beliefs and values. Lara is currently studying at the Dance Department of Fontys Hogeschool voor de Kunsten (and more specifically, the Dance Arts in Context – program), in Tilburg, The Netherlands. She has followed several workshops and programs throughout her education, where she both created and danced.

 

The solo’s name is “Durme Kerido” and is created on the music of a lullaby. It is inspired by emotions: how are internal feelings transferred from the inside to the outside, and do how they manage to manifest themselves? Deep emotions are fighting to break free, but they don’t always succeed. Only when you find inner calmness you are able to listen to your inside feelings, and only then you can surrender yourself to the current of life. This quiet can offer a sort of safe space in the various directions and challenges that you are confronted with in life.

 

(nl)Lara Deruyter is een professionele danseres uit België. Voor haar draait het leven om connectie: hoe we ons verhouden tegenover anderen en de wereld rondom ons, geeft haar inspiratie. Dans is een medium dat je kan raken, dat verschillende perspectieven blootlegt en dat mensen ertoe aanzet hun overtuigingen en waarden te herevalueren. Lara studeert aan de Fontys hogeschool voor de Kunsten in Tilburg (het Dance Arts in Context programma) en volgde gedurende haar opleiding verschillende workshops en projecten, waarbij ze zowel danseres als creator was.

 

De naam van haar solo is “Durme Kerido” en is gemaakt op de muziek van een slaapliedje. Ze werd hiervoor geïnspireerd door emoties en door de manier waarop die zich van binnen naar buiten kunnen bewegen. Op welke manier komen die tot uiting? Diepe emoties proberen zich een weg naar buiten te banen, maar dit lukt niet altijd. Slechts wanneer je innerlijke rust en kalmte kan vinden, zal het je lukken om volledig mee te deinen op de stroming van het leven. Die kalmte biedt een veilige plek aan tussen de vele twisten en uitdagingen waarmee je wordt geconfronteerd.

Léa Gressier alias "Marcelle"

"740nm"

 

(en)Léa Gressier is a professional contemporary dancer from France who has been dancing for all her life. She followed her education in France but has participated in many workshops and projects throughout Europe. Léa also conducts research on movements, is interpreter and videographer in different dance companies. She created her own company, Nebulosa, from where she conducts her own projects, such as her solo “740 nm”, video projects and workshops on movement which are orientated for those who normally do not have easy access to dance.

 

« 740 nm », the name of the solo, is the wavelength that the human eye perceives as the color red. By exploring the corporeal aspects of her physical movements, Marcelle surrendered her body to its own leitmotiv, from which this choreography originated. In the development of her solo, Marcelle saw messages emerge that her body tried to put into translation. The way the movements of her body act as the translator of her unconsciousness and its hidden meanings occupy a central point in the choreography. This creates an ambiguous space where innocence and guilt interact intimately and where her feminine body can move without being glorified or censured. It is a place where tensions, frequencies and vibrations all touch each other, and where the childish meets the self-stimulating.

 

(fr)Danseuse contemporaine, chorégraphe et vidéaste, Léa Gressier a dansé toute sa vie. Elle a réalisé sa formation en France mais a participé à de nombreux workshops et projets dans toute l’Europe. En 2019, elle commence à créer sous le nom de « Marcelle ». Parallèlement, Marcelle mène des recherches sur le mouvement, et est interprète et vidéaste dans différentes compagnies de danse. Elle a créé sa propre compagnie, la Cie Nebulosa à partir de laquelle elle crée ses propres projets, tels que son solo « 740 nm », des créations vidéo et des workshops autour du mouvement s’adressant aux personnes qui n’ont, en temps normal, pas facilement accès à un espace d’expression créative.

 

Son solo, « 740 nm », porte le nom de la longueur d’onde à laquelle l’œil humain perçoit la couleur rouge. En explorant les aspects corporels de ses mouvements, le corps s’abandonne à son propre leitmotiv, ce dernier étant à l’origine de cette chorégraphie. Dans le développement de son solo, Marcelle décode des messages que son corps tente de traduire. La manière dont les mouvements corporels agissent comme le traducteur de son inconscient et de ses significations cachées occupe un point central dans l’écriture chorégraphique. Cela crée un espace ambigu où l’innocence et la culpabilité interagissent intimement, où son corps de femme peut se mouvoir sans être glorifié ou censuré. C’est un espace où les tensions, les fréquences et les vibrations entrent en contact, habité de bribes d’enfance et de comportement auto-stimulant.

 

Nadika Mohn 

"444"

(en)Nadika Mohn is a professional dancer with experience all over the world. She has worked with different companies based in Cambodia, Germany, Switzerland and Italy. She commenced her higher education in 2015 in the Schule für Ballett und Tanz (school for ballet and dance) in St. Gallen, Switzerland, after which she continued her professional training at the International Dance Academy in Berlin, Germany. Nadika completed her education with a post-graduate program at the Dance Arts Faculty in Rome, Italy. Throughout the last four years, she participated in various workshops and has followed several dance programs in Switzerland, Italy, the Netherlands, USA, Germany and Belgium.

 

The piece Nadika created is called “444”. Her piece centers on numbers, time and geometry. She was inspired by the way ten simple digits and a few mathematical laws are repeated over and over through our life, and how they provide us stability and reliable structures to guide us. The music is composed by Milian Mori, a composer of electronic and minimal music who is based in Switzerland. The structure of his music is based on surrealism, geometry and mathematical functions. In this way, he divides time in his compositions and provides them with a clear and consistent structure. His music presents a perfect space for Nadika to explore her theme through movements.

 

(fr)Née en 1995, Nadika Mohn est une danseuse professionnelle ayant acquis de l’expérience dans le monde entier. Elle a travaillé avec différentes compagnies basées au Cambodge, en Allemagne, en Suisse et en Italie. En 2015, elle a d’abord commencé ses études supérieures à la Schule für Ballett und Tanz, école de danse de SaintGall en Suisse, et a ensuite poursuivi sa formation professionnelle à International Dance Academy de Berlin, en Allemagne. Nadika a complété sa formation par un programme de troisième cycle à la Dance Arts Faculty à Rome, en Italie. Au cours des quatre dernières années, elle a participé à divers workshops et a suivi plusieurs formations de danse en Suisse, en Allemagne, Les Pays-Bas, En Italie, au les États-Unis et en Belgique.

 

La pièce de Nadika s’intitule « 444 ». Sa pièce est axée sur les nombres, le temps et la géométrie. Elle a puisé son inspiration dans la manière dont dix chiffres et quelques lois mathématiques se répètent sans cesse dans notre vie, et dans la façon dont ils nous fournissent une stabilité et des structures fiables pour nous guider. La musique est composée par Milian Mori, un compositeur de musique électronique et minimale résidant en Suisse. La structure de sa musique est basée sur le surréalisme, la géométrie et les fonctions mathématiques. Ainsi, il divise le temps dans ses compositions et leur donne une structure claire et cohérente. Sa musique offre à Nadika un espace idéal pour explorer son thème à travers les mouvements.

 

Antti-Pekka Pudas

"Haven"

(en)Antti-Pekka Pudas is a Finland-born professional dancer-performer and entrepreneur. He is interested in using realness as a source for expression. By analyzing human behavior through emotional engagements and physical reactions in facial expressions, actions and verbal reactions, he forms highly intensive and penetrating performative states between realness and abstraction. Antti-Pekka is a co-founder of a young dance collective “Tying Minds”. He has educated himself through a wide range of established professionals in the performing arts and is currently completing a Bachelor of Arts in Contemporary Dance at the Fontys University of Fine and Performing Arts in Tilburg, The Netherlands. He has contributed to various performances and projects in Finland, The Netherlands, Belgium and Lithuania.

 

Antti-Pekka has created a solo called “Haven”, referred to as a place of safety or refuge. The solo is inspired by the contrast between the comfort in the feeling of home and the clash of disturbance. Antti-Pekka draws inspiration from the feeling he got when COVID-19 started to arrive in Europe: borders started to close, flights got cancelled and so he was confronted with a new kind of stress and anxiety. He felt like he was torn between The Netherlands (where he had been living for three years) and Finland (where he was born and raised). This inspired him to reflect on the notion of home. What makes the feeling of home, how privilege is related to it, and to what extend one can verbalize and govern the meaning and essence of it? What happens when the stability of home is altered, or when subliminal nuances of deviation emerge in the relations of it? In Haven, he ponders on the meaning of home in the midst of alteration, and the various facets accenting the essence of the haven.

 

(fr)Né en Finlande, Antti-Pekka Pudas est un danseur et interprète âgé de 26 ans. Il s'intéresse à l'utilisation de la réalité comme source d'expression. En analysant le comportement social dans les expressions du visage, les mouvements du corps et les réactions verbales, il forme des états performatifs très intenses et pénétrants entre réalité et abstraction. AnttiPekka est co-fondateur d'un jeune collectif de danse « Tying Minds ». Il s'est formé auprès d'un large éventail de professionnels des arts du spectacle et termine actuellement un baccalauréat en danse contemporaine à la Fontys Hogeschool voor de Kunsten à Tilburg, aux Pays-Bas. Il a contribué à diverses performances et projets en Finlande, aux Pays-Bas, en Belgique et en Lituanie. Il a participé à divers spectacles et projets en Finlande, aux Pays-Bas, en Belgique et en Lituanie.

 

La pièce d’Antti-Pekka s'appelle « Haven », en référence au lieu sûr ou refuge. Le solo s'inspire du contraste entre le sentiment de confort associé à son « chez-soi » et les perturbations de celui-ci. Antti-Pekka s'appuie sur le sentiment qu'il a ressenti lorsque le COVID-19 est arrivé en Europe : les frontières ont commencé à se fermer, les vols ont été annulés, et il a donc été confronté à de nouveaux états de stress et d'anxiété qu'il n'avait jamais ressentis auparavant. Cela l'a conduit à se pencher sur la notion de « chez-soi », puisqu’il avait le sentiment d'être tiraillé entre les Pays-Bas (où il vivait depuis trois ans) et la Finlande (où il est né et a grandi). Qu'est-ce qui créé le sentiment d'être chez soi ? De quelle manière le fait d’avoir un chez-soi est-il perçu comme un privilège ? Dans quelle mesure peut-on en verbaliser et en gouverner le sens et l'essence ? Que se passe-t-il lorsque la stabilité du foyer est altérée, ou qu'il existe des nuances malsaines dans votre relation avec votre chez-vous ? Dans « Haven », il s'interroge sur la notion de « chez-soi », alors en pleine mutation, et sur les différentes facettes qui soulignent l'essence du refuge. 

 

Thomas Queyrens 

"Exode"

(en)Thomas is a young professional dancer from France. He started his professional dance education in Bordeaux and continued at the Ballet Junior in Geneva (Switzerland), where he had the opportunity to work with several choreographers like Jan Martens, Hofesh Schechter, Roy Assaf, Olivier Dubois, Emmanuel Gat, Wayne McGregor and many others.

 

The solo’s name is “Exode”. With this solo, Thomas tries to tie music and dance together. He interprets “exodus” as a departure of a population, a displacement, a quest or a movement. In his solo, Thomas concentrates on the three phases of this quest: the takeoff, the passage and the arrival in the promised land. He examines the visions, emotions and doubts which are encountered during the voyage, with a particular emphasis on the subject of roots and origins. Thomas is the grandson of Vietnamese immigrants, so he also expresses his personal point of view and experiences on borders, limits and origins. With his solo he tries to share a poetical moment between power and delicacy.

 

(fr)Thomas est un danseur professionnel français. Il a commencé ces études de danse à Bordeaux, après il a intégré le Ballet Junior de Genève (Suisse), avec lequel il a eu l’opportunité de travailler avec différents choreographes comme Jan Martens, Hofesh Schechter, Roy Assaf, Olivier Dubois, Emmanuel Gat, Wayne McGregor, etc… 

 

Avec ce solo intitulé « Exode », Thomas tente de lier la musique et la danse. Il interprète "l'exode" comme le départ d'une population, comme un déplacement, une quête ou un mouvement. Dans son solo, Thomas se concentre sur les trois phases de cette quête : le départ, la traversée et l'arrivée en terre promise. Il étudie les visions, les émotions et les doutes qui sont rencontrés au cours du voyage, tout en mettant un accent particulier sur le thème des racines et des origines. Lui-même petit-fils d’émigrants du Vietnam, Thomas exprime dès lors son point de vue et ses expériences personnelles quant aux frontières, aux limites et aux origines. Avec son solo, il essaie de partager un moment poétique entre puissance et délicatesse.

 

Sandra Sadardheen

"Urja"

(en)Sandra, a professional French dancer of Indian origin, has worked with several dance and theatre companies in Paris, Nantes, Toulouse and London as a dancer and interpreter. She is proficient in contemporary dance, hip-hop and Kalarippayattu, a martial art from the south of India.

 

This solo is a journey where the shapes and the physicality embody natural elements through different energies. The essence of this proposition comes from Indian arts and movements, which are strongly connected to the divine in general. The aim is to cross and merge this culture with urban and contemporary dances. Urja in Hindi means vital, solar or natural energy. This energy notion is the main thread of the piece, with the idea that a flow keeps us in a constant movement, which is a source of explosiveness and serenity at the same time. All researches and questions are focused on one desire: a return to sources, to one’s roots, to one’s origins.

 

(fr)Sandra, danseuse professionnelle française d’origine indienne, a travaillé avec différentes compagnies de danse et de théâtre à Paris, Nantes, Toulouse, Londres en tant que danseuse interprète. Elle maitrise la danse contemporaine, le hip hop, ainsi que le Kalarippayattu, un art martial du Sud de L’Inde.

 

Ce solo est un voyage où l’énergie corporelle incarne les éléments de la nature. Et ce à travers quelques pratiques artistiques indiennes où l’art du mouvement est intimement lié au divin, celles-ci croisée et fusionnée avec l’urbain et le contemporain. Urja en hindi signifie « énergie vitale, énergie solaire, énergie de la nature », etc… Cette notion d’énergie est le fil conducteur de cette pièce ; avec l’idée qu’un flux nous maintienne en perpétuel mouvement, étant à la fois source d’explosivité et de sérénité. Les recherches et les questionnements sont centrés autour d’une volonté : celle d’un retour aux sources, à ses racines, à ses origines.

 

Toon Theunissen 

"THWAZA"

(en)Toon Theunissen is a 22-year-old dancer and performer who is based in Belgium. He is currently enrolled in the ‘Dance Arts in Context’ program at the Dance Department of Fontys Hogeschool voor de Kunsten in Tilburg, The Netherlands. He perceives the body as a kind of ‘translator tool’ and likes to experiment with the endless translations he can find through movements and embodiment for concepts, thoughts and intensions.T

 

The piece Toon created is called “THWAZA”, meaning ‘the light of the new moon’. This word originates from Southern African rituals, where healers often used it to refer to an issue or an illness that could not be cured by the conventional medical methods. Toon is particularly interested in the issue of frustration, which is an emotion or state of mind that is accompanied by a significant physical experience, resulting in a fully embodied state. For Southern African healers, Thwasa is an issue that can be addressed during rituals for transformation, where an emphasis is placed on movement and exhaustion. In his piece, Toon submits his body entirely to this ritual in an attempt to transform mental frustration into physical movements.

 

(nl)Toon Theunissen is een 22-jarige danser uit België. Hij studeert aan de Fontys Hogeschool voor de Kunsten in Tilburg. Hij ziet het lichaam als een soort van ‘translator tool’ en geniet ervan om te experimenteren met de oneindige vertalingen die er door middel van lichamelijkheid en belichaming te vinden zijn voor begrippen, concepten, intenties. 

 

De naam van de solo, “THWAZA", betekent “het licht van de nieuwe maan”. Dit woord vindt haar oorsprong in Zuid-Afrikaanse rites, waar het vaak werd gebruikt om te verwijzen naar een probleem of een ziekte die niet met de conventionele geneesmethodes kan genezen worden. Toon is vooral geïnteresseerd in frustratie en de manier waarop deze emotie of gemoedstoestand gepaard gaat met een significante fysieke ervaring, resulterend in een volledig belichaamde toestand. Zuid-Afrikaanse genezers benaderen Thwasa als een problematiek die behandeld wordt in overgangsrites, waarbij beweging en uitputting centraal staan. In zijn solo tracht Toon zich volledig te onderwerpen aan dit ritueel, om zo de mentale frustratie proberen om te zetten in lichamelijke bewegingen.

 

Emma Versluys 

"Examples of Times"

(en)Emma Versluys was born in 1998 in Ghent, Belgium. Currently located in Tilburg, she works as a dancer, performer and creator and is the co-owner of dance and theater company “Peeled Collective”. She draws her inspiration from various forms of art, such as visual art, performing art and literature. She combines her physical approach with humor and self-irony, seeing mistakes as an opportunity to reinvent herself.

 

The piece Emma created is called “Examples of Time”. The piece is inspired by memory loss (amnesia) and the awareness that memories will slowly disappear, because the person with whom those memories were created has already left from your side. The process of saying goodbye to these memories is simultaneously a natural and painful process. The choreography came from a personal experience, when Emma herself has felt memories fade away. Each memory plays its own part in the piece, as a way to make them unforgettable and in a way even eternal. The title “Examples of time” refers to the way we approach these forgotten memories and how we look at them as examples of time.

(nl)Emma Versluys is een professionele Belgische danseres en ondernemer, actief in België en Nederland. Ze studeert aan Fontys hogeschool voor de Kunsten in Tilburg en is mede-eigenares van het danscollectief “Peeled Collective”. Emma haalt haar inspiratie uit verschillende vormen van kunst, zoals de visuele kunsten, uitvoerende kunsten en literatuur. In het uitoefenen van deze disciplines combineert ze een fysieke benadering met humor en ironie, waarbij fouten gezien worden als een kans om zichzelf heruit te vinden.

 

De naam van Emma’s solo is “Examples of Time”. De solo is geïnspireerd op het langzaam leeglopen van herinneringen en het besef dat die stilletjes aan zullen verdwijnen. Hoe zij en de mensen om haar heen steeds stukjes van zichzelf verliezen. Dit afscheid is voor haar iets onontkoombaars en toch bevreemdend. Emma baseerde zich op persoonlijke ervaringen, waarbij ze stukjes van herinneringen voelde wegglippen uit haar geheugen. De titel verwijst naar de manier waarop herinneringen benaderd kunnen worden en hoe die kunnen fungeren als voorbeelden van tijd.

 

Nina Weber

"Bons baisers d'Amsterdam"

(en)Nina Webert is a professional dancer from Marseilles, France, where she obtained her professional dance certificate in 2016 at the Cannes Dance School – Rosella Hightower and graduated in International and European Law in 2019. She has been dancing with Ellipse Cie since 2018, Trans'position Cie since 2019, Acontretemps Cie and Meraki Art Company since 2020.

 

The name of the solo is “Bons baisers d’Amsterdam” and is inspired by Nina’s visit to Amsterdam and the Red-Light District in January 2020. During her stay she also visited the History Museum, where there was an exposition on the violent reality experienced by a large part of “sex workers”, the exact opposite of what the dazzling publicity suggests. Often victims of human trafficking, do the persons behind the windows reflect the freedom of thought and choice, or do they represent significant human suffering? The music used in the solo, the ninth symphony of Beethoven, was also used in the movie A Clockwork Orange (1971), which like the solo also reflected on the theme of violence.

 

(fr)Nina Webert est une danseuse professionnelle originaire de Marseille, en France. Diplômée en 2016 de l’École Supérieure de Danse de Cannes - Rosella Hightower puis de l’École Nationale Supérieure de Danse de Marseille, en danse classique et contemporaine, elle possède également un Master 2 en Droit International public. Elle danse dans la Cie Ellipse depuis 2018, la Cie Trans'position depuis 2019, la Cie Acontretemps et la Meraki Art Company depuis 2020.

 

Son solo "Bons baisers d'Amsterdam" est inspiré par la visite en Janvier 2020 du Red Light District. Lors de ce même séjour, Nina a découvert, au cours d’une exposition au Musée Historique d’Amsterdam, la dure réalité vécue par une grande partie des « travailleuses du sexe », aux antipodes de la publicité flamboyante faite autour du tourisme sexuel. Régulièrement victimes de trafics d’êtres humains et du cercle aveugle de la marchandisation, les personnes exposées dans les vitrines du quartier érotique d’Amsterdam reflètent-elles la liberté de pensée et de choix, ou d’importantes souffrances humaines ? La musique de son solo, la neuvième Symphonie de Beethoven, avait notamment été utilisée dans le film A Clockwork Orange (1971) afin de questionner un rapport à la violence, tout comme dans sa création.